El nuevo Papa sueña con aumentar los territorios del Vaticano de todas las formas posibles. Para ello nombra Capitán de sus ejércitos a Juan, su hijo mayor, y lo casa con María Enríquez, una noble dama española. A su hijo segundo, César, lo nombra Cardenal, y para su única hija, Lucrecia, acuerda el matrimonio con Juan Sforza. Finalmente obliga a Jofré, su hijo pequeño, a casarse con Sancha de Aragón. Pero César quiere ocupar el lugar de su hermano Juan y controlar el ejército. Entre los dos comienza una gran rivalidad. Una noche, los hermanos regresan de una fiesta y Juan se despide de ellos. Al día siguiente, encuentran su cadáver en el río. El dolor de Alejandro es inmenso: es su hijo preferido.

Con la muerte de Juan, César deja los hábitos y es nombrado Capitán de los ejércitos. Al frente de ellos conquista los territorios vecinos y, así, se extienden las fronteras del Vaticano. Los sueños de Alejandro VI para iniciar una dinastía han comenzado a cumplirse. Pero los enemigos de los Borgia han ido aumentando con el paso del tiempo. Las antiguas rivalidades germinan convertidas en oscuras tramas que van a poner en peligro la hegemonía de la familia en Roma.

Notas del director

Apasionante.-

Con este adjetivo calificaría la experiencia que para mí ha supuesto realizar una película como Los Borgia. Algo que nunca había previsto en mi filmografía; una película de época, de gran presupuesto y disponiendo de unos medios humanos y técnicos poco frecuentes en el cine en el que habitualmente he desarrollado mi profesión, que alguien podría calificar de intimista y de autor.

Cuando Tedy Villalba me ofreció el proyecto, mi conocimiento de los Borgia se limitaba a esa leyenda negra que pesaba sobre la familia que había intentado cambiar el destino de la Iglesia Católica durante el papado de Alejandro VI. Envenenamientos, incestos, despotismo, crueldad y muerte. Al leer el guión de Piero Bodrato y en las posteriores lecturas sobre publicaciones acerca de la familia originaria de Valencia, descubrí el enorme potencial cinematográfico y humano de aquellos seres que en el cenit de su vida habían conseguido poseer lo que cualquier gobernante habría deseado. Rey de reyes, así era y se comportaba Rodrigo Borgia desde el trono del hombre más poderoso de la época; porque tal vez su reino nunca llegó a abarcar toda Italia -una de sus pretensiones- pero su poder espiritual como cabeza visible del cristianismo le otorgaba una influencia y preponderancia superior a la de cualquier monarca de la época.

Objetivo.-

Ser objetivo. En la medida de lo posible había que mostrar al espectador la realidad de la historia de los Borgia; abandonar cualquier especulación; tampoco hacía falta, en doce años de historia, Rodrigo y sus hijos Juan, César, Lucrecia y Jofré, contenían tantas tramas argumentales que el problema sería el contrario: ¡qué elegir!. La respuesta a tal pregunta surgió de inmediato: la familia. El motivo y la regla para todo. Familia. Parecía evidente que la venganza, el crimen, la política, el poder, estaban al servicio de algo mucho más atractivo: Las pulsiones emocionales que los motivaban.

El equipo.-

Siempre he sido un defensor de la autoría del equipo en cualquier película, en las mías, más; y Los Borgia es el perfecto ejemplo. Con el apoyo incondicional de Antena 3 y Ensueño Films, conseguimos tener durante todo el proceso un equipo entusiasta, entregado y de un nivel altísimo. El reto era llevar al espectador al año 1.492, como en una máquina del tiempo. No sólo el protocolo, la moral, las formas, el decorado o el vestuario, sino que también la luz, el sonido, hasta el olor, si lo hubiera, pertenecían a un mundo que ya ha desaparecido y que teníamos que reinventar. Así, Stilde Ambruzzi en la dirección de arte, Luciano Capozzi en el vestuario, Javier Salmones en la fotografía tuvieron la misión de componer el escenario. Para movernos en él, yo precisaba una cámara que pudiera narrar la grandeza y miseria de los poderosos, aquellos decorados naturales donde había sucedido realmente la historia requerían de la minuciosidad y equilibrio estético; David Acereto, segundo operador de mis últimas películas era el hombre ideal para volar sobre sus cabezas, espiar sus intimidades, engrandecer sus ceremonias; Junto Ricardo Morgadas en el foco, mis ojos, y por lo tanto los de los espectadores estarían allí, dentro de la historia. Y el resultado empezó a surgir desde el primer día de rodaje.

El reparto.-

Desde mi primer cortometraje supe que si contaba con buenos actores me garantizaba en un alto porcentaje la calidad de la película. Y resultó que los productores pensaban exactamente igual. De ahí que haya disfrutado de este excepcional elenco. No voy a describir qué opino de cada uno de ellos, porque suman 92; ni siquiera de los protagonistas; es algo que no necesita comentario; véanlo. Resumirlo puedo, en una sola frase: Estoy seguro de que fueron así; con sus caras, sus voces, sus miradas, sus movimientos y sus emociones. Yo tenía la sensación constante de que me había colado en sus vidas. Qué vértigo, qué viaje tan fascinante.

El cine.-

Cuando un director termina el rodaje tiene la sensación de que se lleva los elementos precisos para hacer una película que todavía no lo es. Será en el montaje, en la mezcla final, donde adquirirá la forma que hará de ella una buena o mala película. Iván Aledo en el montaje, Juan Ferro en el sonido y Angel Illarramendi en la música son los encargados de conseguirlo. A todos los avala su currículo; para mí dirigirles sólo significa marcarles la dirección de destino; el resto me limito a disfrutar. Aquel instante en que la muerte de un hijo se convierte "en el dolor más profundo", o la sonrisa de Lucrecia en el amor más puro, y la espada de César en un ciclón, uno siente que el poder del cine va más allá que el de la propia realidad.

Gracias.-

Éste es mi más sincero comentario. Gracias a quienes me han permitido realizar una película tan ambiciosa y a quienes han colaborado en ella para hacerla tan especial. Yo ya la he visto; espero que quien la vea piense como yo, que ahora conoce a Los Borgia.

Vestuario

El vestuario será otro de las grandes bazas de esta superproducción. Tras un exhaustivo estudio de los cuadros y frescos de la época, Luciano Capozzi, responsable de vestuario, ha diseñado más de doscientos vestidos realizados con las más lujosas telas que llevarán los personajes principales, a los que se sumarán más de mil prendas realizadas para mostrar tanto el esplendor y riqueza de los nobles como la pobre realidad del pueblo llano de Roma.

La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes de la zona.

También ahí se haya el molino donde Vidal tiene su centro de operaciones; en él les aguardan Mercedes (Maribel Verdú), una joven que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor (Alex Angulo), que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen.

Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, última de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas antes de la luna llena. En el transcurso de esta misión, fantasía y realidad se abrazan para dar rienda suelta a una maravillosa historia donde la magia que rodea a Ofelia nos transporta a un universo único, lleno de aventuras y cargado de emoción.

Comentario

LA GÉNESIS DE "EL LABERINTO DEL FAUNO"

Un año de preparación, cuatro meses rodando y seis meses de postproducción han sido necesarios para que Guillermo del Toro llevara a cabo "El laberinto del Fauno", el que considera su film más maduro y del que está más orgulloso.

A pesar de ser su sexta película como director, la génesis de "El laberinto del Fauno" ha supuesto una vuelta a los orígenes de su carrera, antes incluso de que dirigiera su ópera prima, "Cronos". "En las raíces, el guión de "El laberinto del Fauno" se parece mucho a la primera versión de guión de "El espinazo del diablo", y podría haber sido mi primer film si hubiera conseguido el presupuesto necesario para hacerlo a tiempo. Aquella versión del Espinazo, estaba situada en la guerra civil española y contaba la historia de una mujer joven embarazada que se reúne con su esposo en una casa retirada. Mientras visitan la casa, la madre se descubre a sí misma en un jardín con forma de laberinto y en ese jardín se topa con un sátiro. Ella hace el amor con la bestia, que le propone sacrificar a su hijo para poder vivir eternamente en el mundo del laberinto. Pero Incluso teniendo esas similitudes, esas remanencias, la nueva versión de "El laberinto del Fauno" es muy diferente, contiene un lado sentimental de principio a fin".

El laberinto del Fauno, como El espinazo del diablo, trascurren en el período que sigue a la Guerra civil española, en tiempos de Franco y de los coqueteos con el fascismo, compartiendo, por tanto, una misma esencia. Pero no se trata en la película de forma directa, sino tangencial, cifrada.. Para mí, fascismo representa el horror último, el más grande, y por esa razón es un tema ideal para contarlo como un cuento de hadas para adultos. Porque el fascismo es sobre todo una forma de perversión de la inocencia, y, por tanto, de la infancia. Para mí, el fascismo representa, en algún sentido, la muerte del alma, como algo que te forzara a hacer elecciones terribles y dejara una marca indeleble en lo más profundo de quienes viven a través de él. En esta película ese monstruo está representado en el Capitán Vidal, interpretado por Sergi López. Un monstruo muy real, comparable al que se esconde en el Laberinto. El fascismo te consume, palmo a palmo, no tiene qué ser físicamente, pero sí espiritualmente. Este concepto está en el corazón de "El espinazo del diablo", pero creo que lo he tratado mejor en "El laberinto del Fauno", un film mucho más complejo, más metafórico, incluso más oscuro.

Si nos sumergimos en el trabajo de Guillermo del Toro, encontramos que las principales referencias de "El laberinto del Fauno" proceden menos de las películas que más le han impresionado, y más de la literatura y la pintura. "He estado siempre muy influenciado por Goya, especialmente por sus pinturas negras que son, para mí, las más impresionantes. La pintura de "Saturno devorando a su hijo", por ejemplo, fue para mí una de las principales inspiraciones para el Hombre Pálido, uno de los personajes principales de El Laberinto. Pero para el ambiente general dibujé sobre los trabajos del ilustrador Arthur Rackham. Intenté conectar con la perversidad y el contenido sexual de su trabajo y logré algo muy intenso y visceral, que era perfecto para "El laberinto del Fauno". Esto me exigió mucho trabajo, tanto en la construcción de los sets, que tenían que ser escrupulosamente detallados, delicados, como en la elección de los colores.

Junto con Eugenio Caballero, el director de arte, construimos todo, de principio a fin, desde el rincón más pequeño a la habitación entera… De modo que no hay ni un solo escenario natural, real, en toda la película. Hemos colaborado muy estrechamente desde el primer día de preproducción. ¡Incluso situé mi oficina en medio de su estudio! En total construimos 34 sets diferentes, cada cual más suntuoso que el anterior. Eugenio hizo un trabajo fabuloso. Para capturar el mundo que yo quería mostrar, también era necesario cuidar mucho la ambientación de la luz del film. Guillermo Navarro, mi director de fotografía y viejo amigo, y yo nos entendemos perfectamente. Desde el comienzo, hemos tenido una visión muy precisa de las tonalidades del film. Éramos muy conscientes de que todo radicaba en la manipulación de la oscuridad para crear un sentimiento de amenaza que acecha escondida tras las sombras. Por otro lado, también era vital acercarse, de forma diferente, al mundo real y al imaginario. Aquel, el del campo y el bosque debía ser frío, incluso glacial, lleno de líneas diagonales y rectas, mientras que éste, el imaginario, tendría que ser mucho más cálido, más vivo desde un punto de vista estético, en el que predominaran las formas redondas y doradas..

La concepción del mundo imaginario en el que Ofelia se refugia fue encargada primero, para los bocetos, a Carlos Giménez, y después, para darles forma y vida, a David Martí y su compañía de efectos especiales. Ambos habían trabajado ya con Guillermo del Toro en "El espinazo del diablo". "Carlos Giménez, que reemplazó en el último momento a Willaim Stout, se ocupó del diseño del laberinto mientras Sergio Sandoval, que había creado las máscaras de Kroenen para "Hellboy", se concentró en las criaturas, particularmente en la del fauno. Para este personaje -muy inspirado en Arthur Rackmam- yo quería algo lo más orgánico posible, con su cuerpo cubierto con hojas y ramas, como si realmente fuera parte de la naturaleza, una apariencia lo más real que se pudiera, casi sin usar efectos especiales, una técnica especial que creo no se ha visto antes en cine. Todo se hizo en el set, con la ayuda de animatronics, que se usan por primera vez en el cine español, sobre todo para una criatura tan compleja.

El hombre pálido fue concebido originalmente como un hombre esquelético con la piel colgando, pero cambié el diseño cuando vi la cabeza que había esculpido David Martí.

Me pareció demasiado humano. Recordé las "caras" en el vientre de los mantas rays: la carencia de rasgos, la boca rajada, dos huecos en el lugar de los ojos… Entonces copié los rasgos de la escultura de arcilla y sobre ella dibujé un nuevo rostro y se lo envié por mail a David, pidiéndole que quitara los rasgos a su hermosa escultura. Él estuvo de acuerdo, aunque con grandes reservas. Coloqué los ojos en las palmas del hombre pálido, que los mostraría como plumas de ave real delante de su cara. Éste fue el nacimiento de un monstruo más surrealista. Pero a pesar de la elaboración de efectos especiales, estas dos criaturas no habrían tenido el mismo impacto sin la interpretación de mi amigo Doug Jones, un mimo profesional que había interpretado previamente a Abe Sapiens en "Hellboy". ¡Y eso no es todo! ¡En la película hay todavía más criaturas, como un sapo gigante y hadas como nunca has visto, mucho más astutas y tramposas que las de Peter Pan!"

A pesar de este innovador y magnífico artificio visual, Guillermo del Toro no ha tenido nunca la intención de hacer de "El laberinto del Fauno" una película fantástica, sino que ha decidido desde el principio dirigir la película a un público más amplio. "Siempre he preferido los géneros híbridos, mezclados. Como, por ejemplo, la combinación del terror con una trama histórica. Para mí "El laberinto del Fauno" es, por tanto, un drama que tiene sus raíces en un contexto de guerra, con elementos mitológicos y de cuento de hadas insertados. Ni siquiera estas criaturas de las que estoy especialmente encariñado son lo más importante. Porque, sobre todo, esta película se sustenta sobre un historia profundamente humana y dramática. Una historia que plantea cuestiones universales que nos conciernen a todos.